书法作品欣赏的方法总结

如何欣赏书法作品？是我们每个初学书法的人、甚至是广大读者都感到困惑而且很想知道的问题。

首先，要较深入的欣赏书法，得有两把刷子——「历史的刷子」与「书法的刷子」。历史的刷子包含了书法史及中国历史（书法家的创作背景）；

书法的刷子则包含了文字学知识、书写技巧、鉴别碑帖的能力及艺术涵养。它们都是密不可分的。

知晓古今之书法演变——书法史：

想想，书法演变是有前因后果的。从殷商的甲骨文到现在所看到的文字，五千年的岁月展露无疑。欣赏时如果不清书法史，而将隶书与草书、楷书相比──比哪一种好看──就有如一部历史电影中张飞与岳飞同时出现在一个场景中，大煞风景！

知晓古今之书法家背景──历史：

你可曾知道，王羲之那鼎鼎大名的「兰亭序」是在略有酒意时写下的，事后多次尝试也写不出更好的作品？如果不知道，那也就无法深入的欣赏「兰亭序」，因为你无法搞清楚它的前因后果，笔意也无法捉摸。

有文字学知识：

书法家最爱在文字上做文章了，有时为了变化，将多种字体（如隶书、草书）合为一种字体，有时学仓颉造字，为文字增减笔划。如果这时，一个对中文只略知一二的外国人，误把「山」、「宗」当为一字，念为「崇」，书法中所注重的「整体感」便消失殆尽，没有了字距、大小之美。相同的，一个不知哪种是隶书，哪种是狂草，而将其混为一谈，后果可想而知……

有鉴别碑帖之能力：

欣赏书法必具备鉴别碑帖之能力，避免欣赏到伪帖而不自知，完全吸收，将不堪设想。

书写技巧，非有不可：

所谓「内行人看门道，外行人看热闹」，不懂书写技巧则无法真正体会书法之美。用笔用墨之妙乃为书法欣赏的重点，不知书写方法，不亲身体验，如何体会笔墨之妙？这也就是大部分名鉴赏家也为不错的书法家之因。

有艺术涵养：

其实欣赏任何一种艺术，都要有如「置身其中」一般投入，用心去看，才能真正的感受到「骨力」、「姿态」、「神韵」、「气魄」，欣赏书法才有意义。

书法欣赏

明确书法欣赏的审美标准，是正确进行书法欣赏的基础；掌握书法欣赏的方法，是进行书法欣赏的关键。

一、书法的审美标准

南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。这里，强调以形写神，形神兼备。

一般地说，“形”包括点画线条以及由此而产生的书法空间结构；“神”主要指书法的神采意味。

（一）书法的点画线条

书法的点画线条具有无限的表现力，它本身抽象，所构成的书法形象也无所确指，却要把全部美的特质包容其中。这样，对书法的点画线条就提出了特殊的要求。要求具有力量感、节奏感和立体感。

１、力量感

点画线条的力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出“藏头护尾，力在字中”，“令笔心常在点画中行”，“点画势尽，力收之”。要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。需要注意的是，我们强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆淳和，温而不柔，力含其中。但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的(大篆、小篆均须藏锋)。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。

２、节奏感

节奏本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。一般而言，静态的书体(如篆书、隶书、楷书)节奏感较弱，动态的书体(行书、草书)节奏感较强，变化也较为丰富。

３、立体感

立体感是中锋用笔的结果。中锋写出的笔画，“映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。”这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。因而，中锋用笔历来很受重视。但是，我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。除小篆以外，其他书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。

（二）书法的空间结构

书法的点画线条在遵循汉字的形体和笔顺原则的前提下交叉组合，分割空间，形成书法的空间结构。空间结构包括单字的结体、整行的行气和整体的布局三部分。

１、单字的结体

单字的结体要求整齐平正，长短合度，疏密均衡。这样，才能在乎正的基础上注意正欹朽生，错综变化，形象自然，于平正中见险绝，险绝中求趣味。

２、整行的行气

书法作品中字与字上下(或前后)相连，形成“连缀”，要求上下承接，呼应连贯。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但笔断而意连。行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引。此外，整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，以及由此而产生的节奏感。这样，才能使行气自然连贯，血脉畅通。

３、整体的布局

书法作品中集点成字、连字成行、集行成章，构成了点画线条对空间的切割，并由此构咸了书法作品的整体布局。要求字与字、行与行之间疏密得宜，计白当黑；平整均衡，欹正相生；参差错落，变化多姿。其中楷书、隶书、篆书等静态书体以平正均衡为主；行书、草书等动态书体变化错综，起伏跌宕。

（三）书法的神采意味

神采本指人面部的神气和光采。书法中的神采是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味的统称。“神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。说明神采高于“形质”(点画线条及其结构布局的形态和外观)，形质是神采赖以存在的前提和基础；因此，书法艺术神采的实质是点画线条及其空间组合的总体和谐。追求神采，抒写性灵始终是书法家孜孜以求的最高境界。

书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。

二、书法欣赏的方法

书法欣赏同其他艺术欣赏一致，需要遵循人类认识活动的一般规律。由于书法艺术的特殊性，又使书法欣赏在方法上表现出独特性。一般地说，我们可以从以下几个方面进行。

１、从整体到局部，再由局部到整体。

书法欣赏时，应首先统观全局，对其表现手法和艺术风格有一个大概的印象。进而注意用笔、结字、章法、墨韵等局部是否法意兼备，生动活泼。局部欣赏完毕后，再退立远处统观全局，校正首次观赏获得的“大概印象”，重新从理性的高度予以把握。注意艺术表现手法与艺术风格是否协调一致，作品何处精采、何处尚有不足，从宏观和微观充分地进行赏析。

２、把静止的形象还原为运动的过程，展开联想。

书法作品作为创作结果是相对静止不动的。欣赏时应随作者的创作过程，采用“移动视线”的方法，依作品的前后(语言、时间)顺序，想象作者创作过程中用笔的节奏、力度以及作者感情的不同变化，将静止的形象还原为运动的过程。也就是摹拟作者的创作过程，正确把握作者的创作意图、情感变化等。

３、从书法形象到具体形象，展开联想，正确领会作品意境。

在书法欣赏过程中，应充分展开联想，将书法形象与现实生活中相类似的事物进行比较，使书法形象具体化。再由与书法形象相类似事物的审美特征，进一步联想到作品的审美价值，从而领会作品意境。如欣赏颜真卿楷书，可将其书法形象与“荆卿按剑，樊哙拥盾，金刚眩目，力士挥拳”等具体形象类比联想，从而可以得出：体格强健——有阳刚之气——富于英雄本色——端严不可侵犯的特征，由此联想到颜真卿楷书端庄雄伟的艺术风格。

４、了解作品创作背景，正确把握作品的情调。

任何一件书法作品都是某种文化、历史的积淀，，都是特定历史文化背景下的产物。因而，了解作品的创作背景(包括创作环境)，弄清作品中所蕴含的独特的文化气息和作者的人格修养、审美情趣、创作心境、创作目的等等，对于正确领会作者的创作意图，正确把握作品的情调大有裨益。清王澍《虚舟题跋?唐颜真卿告豪州伯父稿》云：“《祭季明稿》心肝抽裂，不自堪忍，故其书顿挫郁屈，不可控勒。此《告伯文》心气和平，故客夷婉畅，无复《祭侄》奇崛之气。所谓涉乐方笑，言哀已叹。情事不同，书法亦随而异，应感之理也。”可见，不论是作者的人格修养、创作心境，抑或是创作环境，都对作品情调有相当的影。向。加之书法作品受特定时代的书风和审美风尚的影响，更使书法作品折射出多元的文化气息。这无疑增加了书法欣赏的难度，同时更使书法欣赏妙趣横生。

总之，书法欣赏过程中受个性心理的影响，使欣赏的方法没有一个固定的模式。以上所述仅是书法欣赏的一种方法，欣赏过程中可以将几种方法交替使用。另外，欣赏过程中还必须综合运用各种书法技能、技巧和书法理论知识，极大限度地挖掘自己的审美评价能力，尽力按作者的创作意图体味作品的意境。努力做到赏中有评、评中有赏，并将作品放在特定的历史环境中去考察，对作品作出正确的欣赏和公正、客观的评价。当然，掌握了正确的欣赏方法以后，多进行欣赏，是提高欣赏能力的重要途径，扬雄谓，“能观千剑，而后能剑；能读千赋，而后能赋”，说的正是这个意思。

一、书法欣赏的主观性

书法欣赏是一种认识活动、思维活动，是一种艺术的再创造。因而，欣赏过程中必然带有很强的主观色彩，所谓“仁者乐山，智者乐水”，“康熙喜董(其昌)，乾隆尊赵”指的就是这个意思。面对同一件作品，不同的欣赏者褒贬不一；对同一件书法作品，同一个欣赏者随着人生阅历的增长、文化修养、鉴赏能力的提高，其感受也会不尽相同。这是由认识的主观性质而决定的。应该说，这种现象是正常的。但这也并不等于说书法欣赏没有一定的标准和尺度。欣赏过程中片面强调欣赏者的主观性而否定书法美的普遍规律，或只片面强调书法美而排斥欣赏者的主观意识和判断，两者都是有害的。欣赏者的主观意识和判断，只有建立在相应的书法美的普遍规律的基础上，其判断才会显示光华，欣赏才是正确的、有价值的。

二、书法欣赏的能动性

人的认识活动具有主观能动性，书法欣赏也不例外。“王羲之书字势雄逸，如鱼跳龙门、虎卧凤阙”，“萧子云书如危峰阻日，孤松一枝，荆轲负剑，壮士弯弓，雄人猎虎，心胸猛烈，锋刃难当。”这样的想象，瑰丽离奇，甚至是天马行空。这是人的主观能动性发生作用的结果。

书法欣赏中，没有丰富的想象和联想的补充，像认字一样的把书法作品只看成是一些抽象的符号，就无从谈及书法欣赏。近代书法大家沈尹默在《书法论丛》中说：“不论是石刻或墨迹，表现于外的，总是静的形势，而其所以能成这样的形势，却是动作的结果。当初的动作态势现在只通过作品留在静的形中。要使静者复动，就得通过耽玩者想象体会的活动，方能期望它的再现。于是，在既定的形中，就会活泼地看到往来不定的势。在这一瞬间，不但可以发现到五光十色的神采，而且还会感觉到音乐般轻重疾徐的节奏。这说明书法欣赏是积极能动的。只有通过欣赏者展开想象和联想的翅膀，才能使视觉形象与动觉形象结合起来，书法欣赏才得以实现。

然而，仅仅发挥想象和联想是不够的。任何一件书法作品，总是历史的积淀。其中，不但有作者的学识修养，精神气质，思想情感，审美趣味倾注其中，而且总是留有特定的时代烙印。因而，欣赏书法时，必须对作者、作品作详细的了解。

三、书法欣赏的反复性

书法欣赏是一种认识活动，因而必须遵循认识的一般规律，即由浅人深，由表及里，由局部到整体，由感性认识到理性认识，再由理性认识回到感性认识，如此循环往复，认识一次比一次深化。

书法作品以形象诉诸欣赏者的视觉，人们首先感觉到的仅是作品的外在形式，如书体、大小等。在此基础上，对感性材料进行综合，形成知觉形象。由于知觉的刺激而产生想象和联想，对作品进行取舍和补充，如此循环往复，使书法欣赏不断提高品位和档次。近人马宗霍的《书林纪事》载：“询当见古碑，晋索靖所书。驻马观之，良久而去。数百步复返，下马伫立，及疲乃布裘坐观，因宿其旁，三日方去。”由此可见书法欣赏的反复性。

四、书法欣赏的批判性

人们一般都认为，欣赏重于情感，批评重于理性，前者是后者的基础，后者是前者的升华。其实不然，就书法欣赏而言，欣赏与批评是一对孪生姊妹，伴随欣赏活动的始终。只要书法作品陈列出来，欣赏者即使不是行家，也总会评头晶足。这种短时间的判断虽然简单、粗糙，但批评的色彩已经相当浓厚了。

欣赏过程中，常常可以见到两种极其错误的倾向：一是赏而不评，把欣赏看作是非理性的、游戏性的活动；一是评而不赏，把欣赏看作是纯理性的、批判的行为。由此导致为批评而批评，追求轰动效应，把批评作为骂杀的工具；或者为欣赏而欣赏，把欣赏作为吹捧的手段。我们明确书法欣赏中的批评性，不是要打倒作者，而是便于我们扬弃作品中的优点和不足。赏中有评，评中有赏，这才是唯物的、客观的、正确的书法欣赏。

总之，书法欣赏是能动的，也是主观的。我们承认书法欣赏的主观性，不是说书法欣赏没有标准，相反，书法欣赏只有建立在书法审美标准的基础上，不断反复，不断深化，赏中有评，评中有赏才是公正的、客观的。

书法欣赏的心理过程

艺术欣赏是一种审美的认识活动，书法艺术欣赏是以书法艺术作品为对象的审美认识活动。其认识的主体是作为社会关系总合的人，他们的一切活动都受制于他的社会地位、世界观、文化素养、以及他的认识能力、情感、意志。书法欣赏的客体是作品。它是作者主观情感结合汉字形体加工而形成的艺术品。

书法艺术欣赏是一个动态的认识过程，其运行机制是复杂的，为了便于讨论，可以分为以下几个阶段：

一、准备阶段

要进行书法艺术欣赏，首先要具备审美心境。心境是指一种微弱而持续的情绪状态，往往与主体的需要相联系。因此，主体要想进入审美欣赏过程，必须使自己从烦琐的事务中解脱出来，用审美的眼光来看待作品。这时，作品不再是单纯的物理因素（纸和墨的结合），而是作者情感的载体。欣赏作品就是进行情感交流，而这种交流是没有任何功利性的。

二、感知阶段

感知阶段是欣赏者感觉、知觉作品，从形式即作品的“形”上把握作品的阶段。主要了解作者的表现技巧，感受作品的造型空间。

书法被称为造型艺术，其造型空间不同于生活中的空间，它需要想象的介入，“三分字，七分裱”就是指装裱能使作品的造型空间独立出来，让欣赏者更容易进入想象。

欣赏作品的造型空间，要求我们立体地看作品，具体说来，一幅作品，笔墨是实，布白是虚。实不是平板的，而是立体的、有层次的，书法讲究中锋用笔，是为了求得笔画产生圆、厚的立体感。讲究用墨，为的是求得层次的变化。虚不是空虚，是“无声胜有声”的艺术手段。如齐白石的画，几只玲珑剔透的虾活跃在画面上，背景一片空白，却令人遐想联翩，似乎碧波荡漾，晶莹透明。书法讲究布白，就是虚的运用，一幅优秀的书法作品，其布白往往耐人寻味，好象是摄影作品中幻化的背景，虽然看不出具体的内容，但可以令你感受到丰富多采，在它的衬托下，“前景”更加突出。只有理解“虚”，才能更好地理解“实”。“知白守黑”就是这个道理。

懂得了虚和实，就可以感受作品的造型空间，主体的注意范围不同，所感受到的造型空间也随之变化。好的作品，随意截取一个范围，其造型都是美的。如取作品中的一行，一个字，甚至是一个点画。黄庭坚在《论书》中说：“字中有笔，如禅家句中有眼。”

三、理解阶段

书法艺术作品是作者提炼生活，得到意象，并运用书法艺术表现技巧加以物化的结果。主体可以根据作者物化的痕迹去追溯他的意象，把握作品容。明代的祝枝山说：情之喜怒哀乐，各有分数，喜则气和而字舒；怒则气粗而字险；哀则气郁而字敛；乐则气平而字丽。情有轻重则字之敛舒险丽，亦有深浅，变化无穷……

作者“喜”“怒”“哀”“乐”的情感不同，他的作品也相应地具有“舒”“险”“敛”“丽”等不同形式。理解作品，就是通过作品外在的静止的形式，想象作者创造的动态过程。“设身处地”地去体验作者的情感，以深入理解作品。通过理解所得到的并不是抽象的概念，也不是科学的数据，而是与欣赏者记忆表现象有关的具体形象。孙过庭《书谱》中有段话：观夫悬针垂露之异，奔雷坠石之奇，鸿飞兽骇之姿，鸾舞蛇惊之态绝岸颓峰之势临危 据槁之形……

看到作品的形式----悬针垂露，得到的是意象----奔雷、坠石、飞鸿、骇兽等。由于书法作品内涵的丰富性，主体可以形成关于作品多层面的印象，但没主次，不够鲜明，但由此可以刺激好奇心和求知欲，深入了解作品。

四、再创造阶段

再创造是主体在对作品多次感知，充分理解的基础上，运用想象，将作品内容进行综合，在自己头脑中形成新的意象的过程。

主体感知作品时，得到的是作品形式的表象，在理解作品时，得到的是作品内容的表象，这些表象都暂时储存在主体头脑中，没有规律，不成系统。再创造就是把头脑中的表象按一定的规律组织成有机体。

这时，记忆表象反复闪现，不断筛选，保留那些主要的、接近客体本质的表象。这些表象不断冲突，相互渗透，终于融合成一个新的整体----主体头脑中的意象。

新的意象是主体在欣赏的基础上以自己的方式创造而形成的。因此，不可能与作者的意象完全相同，它具有创造性，它常常超出作者本身，甚至是作者创作时并未意识到的或现实生活中不存在的。朱长文在《续书断》中评张旭的草书：“如神虬腾霄汉，夏云出嵩华。逸势奇状，莫不可测。”朱长文从张旭草书中得到的意象是直冲云霄的“神虬”嵩山华山之上的“夏云”他根据自己的生活体验和想象而创造出意象。

新的意象是主体再创造的结果。不同的主体，因其心理定势不同，即使同一幅作品，所得到的意象也不尽相同。正所谓”仁者见仁，智者见智”。如前面谈到的张旭的草书，朱长文得到的意象是“神虬”“夏云”。如果现代人得到“升空的火箭，飞行的导弹”的意象，甚至是听觉方面的，如的士高音乐,也是正常的。

五、共鸣阶段

共鸣是指审美主体与客体的思想感情契合相通和谐一致的心理现象。

在书法艺术欣赏活动中，主体头脑中的意象一旦形成，主体会从意象中把握作者的思想感情，而二者有部分相同或相似。这一部分会在头脑中不断加强、扩张，其余则不断减弱、消失甚至隐去。进入高峰状态时，主客体会完全契合一致，达到物我同一。这时主体头脑中充溢着作者的思想和情感，自身与作者相同的思想和情感会迅速提高、发展，主体处于这种状态时会伴随着强烈的审美愉悦。这种感受会转化为审美经验，在以后的欣赏与创造中起指导作用。《宣和书谱》卷十四有这样一个小故事：

欧（指欧阳洵）路靖（指索靖）碑，初过而不问，徐视乃得之，至卧碑下不忍去。

欧阳洵经过索靖所写的碑，“初过而不问”，是还没有进入审美心境；“徐视乃得之”是索靖的名气的作用下，他强迫自己进入心境后对作品有所理解；“至卧碑下不忍去”是欧阳洵与索靖的书法产生共鸣，他全身心投入其中达到物我同一的境界。伴随有愉悦的情感是“不忍去”的原因。这时他从索靖的书法中将会获得审美经验，指导以后的创作。

马克思说过： “艺术对象创造出懂得艺术和能够欣赏美的大众--任何其他产品也都是这样。因此生产不仅为主体生产对象，也为对象生产主体。”书法艺术创造也是这样，它不仅创造艺术作品，也造就它的欣赏者。这样看来，加强对书法欣赏的研究，将有利于书法的蓬勃发展。

一、书法艺术的产生及类别

书法艺术是我国特有的艺术。它像一条奔流不息的长河，源远流长，宏大精深。从殷商开始，经历了秦汉的辉煌，魏晋的风韵，隋唐的鼎盛，宋元的神意，明清的繁华。直到今天仍繁花似锦，昌盛不衰。它在世界艺苑中独树一帜，放射出灿烂的光彩，从中华大地上走向了世界，遍及日本、朝鲜、新加坡、泰国等国家。西方许多国家也越来越重视对中国书法艺术的研究。当代书法家沈尹默先生说：“世人公认中国书法是最高艺术，就是因为它能显示惊人的奇迹，无色而具图画的灿烂，无声而有音乐的和谐，引人欣赏，心畅神怡。”

书法艺术产生的土壤是汉字。传说古代神奇的仓颉，头上长有四只眼，通于神明，能“仰观奎星圆曲之势，俯察龟文鸟迹之象，博采众美，合而为字。”传说，当然不足为凭，但是透过神话的迷雾，我们可以知道，汉字造型之初，始于取象自然之美，文字一出现就孕育着美，具有美的性质。后来，象形的意义逐渐减弱，符号的意义日益增强。但是无论怎样演变，以点画（线条）排列造字的方式基本没有改变，因而这种演变，不是削弱了文字美，而是为书法提供了更美的基础，使得书法艺术能从更广阔的天地里“博采众美”，丰富自己的形象感染力和表现力。

“文房四宝”，尤其是毛笔的完善提高，使得欧洲人的管笔、钢笔、铅笔及油画笔等在中国书法面前相形见绌。毛笔不仅能够表现出粗细、浓淡、虚实、方圆、厚薄等种种线条，而且能够创造出晕化的趣味和墨色的美感，书画同源，本自同工，使得书法艺术具有图画的美。这些都为书法艺术奠定了美的基础。

中国的书体，大致可以分为篆、隶、真、草四种，每一种又可分为不同的笔姿和结构。

篆书——分大篆和小篆。大篆是在甲骨文、金文（钟鼎文）基础上演变而来的。春秋战国时的秦国文字大体上保持了西周的写法，只是变得更加整齐匀称，这便是“大篆”，它是小篆的前身。秦统一中国后，把原来的篆书酌加简化，同时废除战国时区域性的异体字，这种经过整理的秦国文字就是小篆。小篆是汉字第一次规范化的字体。它使用圆转匀称的线条，形体整齐，统一了原来没有固定形式的偏旁，确定了偏旁的位置，确立了汉字的符号性，使书写有了规律。

隶书——秦代通行小篆的同时还通行隶书，隶书是从草率的篆书变来的。隶书在汉代是正式字体。后来的隶书，经过艺术加工和美化，在笔划方面添了波势和挑法（弯钩）。

楷书——又叫真书，由隶书演变而来，是现代通行的字体。

草书——共有三种：章草、今草、狂草。章草由隶书演变而来，起于汉代；今草是章草的继续，是楷书的快写体，从东汉末年流传至今；狂草是在今草的基础上任意增减笔画，恣意连写，兴于唐代。

另外，还有介于今草与楷书之间一种字体叫行书。它大约产生在东汉末年今草与楷书盛行的时候，它近于楷而不拘谨，近于草而不放纵，笔画连绵而各守独立，清晰易认好写。

二、书法艺术的基本要素

书法艺术的基本审美要素大体上由六个方面构成：

一、是结体。即字的间架结构，分间布白。各种书体、流派都有自己独特的结构，就像画家作画，错落而有序，丰富而不单一，结体本身有奇正、疏密等多种形式。既遵循平衡、对称原则，合乎一定法度，又不能僵板或粗制滥造。研读柳公权的《玄秘塔碑》帖，你就可以看出它的间架结构很美。如“達”字（繁体），并列四横，却找不出完全相同的两横；如繁体的“為”下面四点，没有两点是相同的。正是这样，使得各种笔画互相映衬、互相弥补，既显得丰富多彩、变化多端又和谐别致。画家作画，绘千岩万壑，必先立主峰。主峰既立，则岩岫巉绝，峰峦秀起，旁见侧出，云烟变天，千态万状，无不血脉流通。同样，书法大家是很注意主笔与次笔的安排的。譬如，赵孟頫、欧阳询、柳公权写的“山”字，中间一竖居于字心，犹如山峰高耸，钢铸铁打，骨力非凡，而左右两笔则是次笔，旁见侧出，拱绕主笔，使整个字显得很美。试想，如果中间一竖苍白乏力，旁边两笔很拙，“山”字该有多难看。像这样美的例子在书法艺术中俯拾皆是，在这里只不过随便举一个例子罢了。

书法也像建造房屋一样，结体讲究空间美。还是以唐代柳公权的书法为例吧，你看他写的“百”、“门”、“月”、“见”四个字，半腹皆虚，四周开敞，犹如“门窗轩豁”，“楼阁虚邻”，内通外达，生气流转，空白富有性致。而他写的合体字外部空间分割，也颇耐人寻味。各组成部分安排得有高有低，有伸有缩，错落有致。如“街”字，左下方和右上方各出现一块空白，两高一低，参差互让；“雄”字，一竖挺然，耿介特立，下方就形成大小两块空白，显现出一种空间的美。仔细欣赏，确实使人眼目为之一新，产生一种漫步在园林式建筑中的美感。

二、是章法。指书法作品的整体布局。要求上下左右互相照应，总体分布有法度秩序。章法美是书家追求的最高境界，章法搞好了，即使个别字艺术性差些，亦可通过美的章法掩饰。章法美最具代表性的要数王羲之的《兰亭序》了，全篇324字，共28行，书法遒媚劲健，全篇章法布白，前后管领，既有主体，又富于变化，首尾相应，可以称之为千古绝作。

三、是用笔。用笔是指行笔的方式方法。一般说来有方笔、圆笔、尖笔、轻重缓急等。要求有力度和质感，错落有致，富于曲线美和形象美。

中国书法是很讲究曲线美的，以多样流动的线条充分体现其独特的审美价值，用笔行云流水，骨力追风，有柔有刚，方圆适度。比如吴让之的篆书，像一幅幅装饰图案，给人以婉曲流通的美；甘肃东部甘谷出土的隶书汉简，一波三折，给人以曲波微澜之美；赵孟頫的楷书，一点一画，皆有三转；一波一拂，皆有三折，表现出一种柔性曲线美；而柳公权的楷书，化直为曲，似弯弓射月，透出一种刚性曲线美；张旭的狂草，曲线连着曲线，给人以急雨旋风式的美。

书法家在用笔时还十分重视笔画的形象美。唐欧阳询对书法八种基本笔画作了形象的概括和描绘：“点（、）如高峰之坠石；钧似长空之初日；横（一）如千里之阵云；竖（|）如万岁之枯藤；横折斜钩如劲松倒折，落挂石崖；弯折钧如万钧之弩发；撇如利剑斩断犀象之角牙；捺一波常常三过笔。”

四、是用墨。用墨是指墨的着色程度，如浓淡、枯润等。要求苍拙苦涩和淋漓酣畅变化一致，墨色不能枯燥或平滑。

五、是韵律。是笔画、线条的动静、起伏、枯润等变化富有节奏，抑扬顿挫，声色相依。如苏轼的“鹤飞”像仙鹤羽翼伸展，翩然欲飞；韩愈的“鸢飞鱼跃”具有“天高任鸟飞，海阔凭鱼跃”的动律感；那汉代《华山碑》隶书的笔画真像一个个女子翩翩起舞……这些，无不透出一种动的韵律，诗的韵律。

六、是风格。是由结体、章法、用笔、用墨、韵律等共同组成的总的艺术效果。风格有含蓄与豪放、古朴与秀丽、劲健与稚拙等。比如，李白的书法，狂放不羁，豪爽飘逸。北京博物院藏有他的一帧《上阳台帖》，全帖气势超迈，笔力雄健，书字大小错落，透出一种豪气仙风，才华横溢的神韵。

唐代书法家颜真卿则又是一种风格。他的行草“三稿”（《祭侄文稿》、《祭伯文稿》、《争座位稿》）被人称为有情的图画，无声的乐章。字里行间，流动着浓郁的深情，时而奔腾激昂，时而低回吟唱，有惊心动魄之气，无娇揉造作之迹。郑板桥那翩翩多姿的书法中，往往含茹着兰竹一枝一叶的意象。黄庭坚那风格清劲的书法中，给人一种乱叶交枝，竹影婆娑的意韵。

三、书法艺术的审美特征

传说，唐代书法家张旭在苏州做官的时候，有一老翁故意寻事几次到公堂要他判案，张旭打发老头走了，没几天又找上公堂。张旭很是恼火，就责问老头“为何无事滋扰公堂？”老头只得如实相告，原来醉翁之意不在酒，既不是真的要这位张大人断案论事，也不是无故取闹，仅仅是为了再一次得到张大人写在“判断书”上的几个“笔迹奇妙”的字，“贵为箧笥之珍”。

唐代，不仅开一代诗风，书法艺术也如百花盛开，各领风骚；书法家群星灿烂，如欧阳询、欧阳通、虞世南；如褚遂良、颜真卿、柳公权……爱好书法，欣赏书法艺术，形成一代风气。唐太宗李世民酷爱书法，尤其厚爱王羲之的墨迹。他曾派人到王羲之七世孙那里骗取了《兰亭序》真迹，令人拓书数本，赐给皇室近臣，以示皇恩。临终时还特别嘱咐，要将真迹贮于玉匣之中随葬。

一个为得“笔迹奇妙”的书法，甘受“以闲事屡扰公堂”之罚；一个“贵为天子”不仅行小人之举——骗，而且死后还要带到另一个世界里去欣赏，书法艺术可真有魅力啊！

书法象一切艺术门类一样，既体现艺术的共性，又有自己独特的审美特征。它作为艺术的一般形式，象音乐一样，具有生动的节奏和韵律；象舞蹈一样，千姿百态、飞舞跳跃；象建筑一样，具有丰富的形体和造型；象绘画一样，追求气韵生动，形神合一。书法作为艺术的特殊形式，又与其它艺术不同。音乐形象是以时间上的听觉形式出现，书法形象则是以空间上的视觉形式出现；舞蹈形象是以舞台“动”的形式出现，书法形象是以画面“静”的形式出现；建筑形象是以立体的三度空间形式出现，书法形象则是以平面的二度空间形式出现；绘画形象是以物象、色彩的形式出现，书法形象则是以比较抽象的线条和形体的形式出现。

不仅如此。因为书法艺术是建立在汉字基础上的，不仅具有表现形式的一般规律，而且内含了一定的思想、意识，反映了人们的审美心理、审美标准、审美境界，具有一定的思想性，可以渗透到理性中，不仅能打动整个感官，而且能打动人的整个心灵。

具体地说，书法艺术大体上可以从三个方面归纳其审美特征：

一、是造型性。我们前面已经说过，书法艺术的基础是汉字。而汉字最早是由象形文字为基础发展而来的，因此书法艺术产生的基础一开始就具有了造型艺术的特点。虽然随着文字的发展，后来在象形的基础上又有了指事、会意、形声、转注、假借等方面的文字，汉字象形的意义逐渐减弱，符号的意义日益增强。但它毕竟是从象形文字发展而来，以表义为主的方块字，以点线重叠排列的造字基本方式始终没有改变。因此，可以说，书法艺术是通过点线组合来进行美的造型的艺术。

同时，人们常说，“书画同源”。书法家在进行书法艺术创作时，是当做一幅精美的画来构思和创作的。毫无疑问，这同样决定了书法艺术具有图画一般的造型性。比如毛泽东的行草书《满江红——和郭沫若同志》，像一幅气势雄浑、苍劲潇洒的画；而他的《蝶恋花——答李淑一》，为悼念杨开慧而作，那涂了又改，改了又涂的墨迹，使整个书法作品像一幅悲壮的画。

二、是抽象性。书法艺术对现实美的反映是靠点线和字形结构来完成的，它不是像绘画那样具体地去描绘某一种事物，因而具有抽象性。例如书法家写一点，有时如瓜瓣鼠矢，有时如高峰坠石，有时圆润如珠玉，有时又活泼如蝌蚪，但并不是画出来的“瓜瓣鼠矢”、“高峰坠石”、“圆润珠玉”、“活泼蝌蚪”。它的“点”是抽象的。唐人张怀瓘认为，书法艺术是“无声之音，无形之象”，就是说书法艺术是有声语言的符号，读之有声，是带抽象性质的形象，而不是具体描绘现实中某一事物的形象。因此，书法艺术的抽象性就在于它既同现实中各种形态结构有类似的地方，又不是现实中某一事物的形态结构的直接描摹，是无形与有形的统一，是不象形与象形的统一。

书法艺术的抽象性，决定了它在反映现实事物的形态美方面，比其它具体描摹某种现实事物的艺术有更加自由的天地。比如，比绘画、雕塑具有更大的概括性和普遍性，能够使人们联想到许多事物共有的某种美。比如欣赏一幅刚劲有力的书法艺术作品，你可能会联想到青松的苍劲、山峰的巍峨……它是一幅具体的书法作品，却反映了多种事物共同具有的某一美的形态。因此，可以说，书法艺术是具体中的抽象，抽象中的具体。

三、是表情性。书法艺术浸透着书法家的思想感情，反映着作者的品格情趣，是一种表情的艺术。好的书法作品必定倾注着书家的内心情感——喜悦、悲哀、歌颂、谴责……比如，宋陆游作的《题醉中所作草书歌》，就抒发了作者在那民族危机深重的时代的强烈的爱国感情：“胸中磊落藏五兵，欲试无路空峥嵘，酒为旗鼓笔刀塑，势从天落银河倾。端溪石池浓作墨，烛光相射飞纵横，须臾收卷复把酒，如见万里烟尘清。”作者那借酒助兴、尽忠报国的宿愿，欲试无路的悲愤都倾注到书法之中了。民族英雄岳飞所写《还我河山》的草书横幅，酣畅淋漓，峻峭挺拔，大气磅礴，真是义愤之情溢于笔端，抒发了他那立志收复河山，洗雪国耻，浴血战斗，身先士卒，“壮志饥餐胡虏肉，笑谈渴饮匈奴血”的伟大胸襟和崇高志向。

中国书法艺术是一座美的宝库，你会在这里面获得无穷的美感的。

书法的布局与章法

书法中单个字的好坏固然重要，但从一件作品的整体来说，字的排列与组合必然居先，这便是章法。

从古而今，所出现过的章法大约有六种：

一、是有行有列式：

这种章法无论纵向（行），还是横向（列）都字字相对，布若列兵。甲骨文中就已有了这种章法形式，西周《虢季字白盘铭》也是这种排列，后来的刻石碑板中应用更多。这种章法，利在整上规范，弊在易板不活。故需注意字与字间要有神态呼应，姿态俯仰（行气），还要有用笔的转承呼接，务使通篇形离而神聚。

二、是有行无列式：

这种章法能使一行之中书写自如，而不考虑横向(列)是否相对，但由于保持着行距，整体上仍能清晰，可以说是齐整与随意的完美结合，因此在实用中这种章法形式也最为常见。在甲骨文、金文、篆、隶、楷、行及草等各种书体中都有使用。这种有行无列式，行气表现的特别重要。尤其在行草之中，由于字的动感增强，使字常常出现左右、高低、大小等不规则的位置及形体变化，为了不是一行之中或行间的连贯性受到影响，就必须一则注意守好一行内应有的中轴线，使字的变化不离其中，前左后右，上斜下正；二则控制好笔势的承接与行与行间字型笔画的相互争让照应，使笔势贯通，首位一气。

三、是无行有列式：

字数在三、四左右的名言、警句、匾额或字数更多的横标等，多以单列方式书写，方向通常从右至左（其它章法形式也一样）。

四、是无行有列式：

这类章法多见于大草或狂放一派书风中，其实本来有行，由于强调情绪的宣泄，放纵书迹线体的穿插运动，使行与行间的严格区分消失，使作品整体上构成了一种无行无列的线流板块。唐代怀索、明代徐渭、詹景风等人的作品中最易见。

五、是独字式：

这是中国书法很有特色的章法形式。通副只一字，往往作为训言或铭言，仰或纯作为一种书作的欣赏。独字式不再有更多的字作为相互补救（只有落款等少数文字，即使字多也只是小字），因而要使一字能成为作品，除了字本身要受看外，字型与纸型的配合都很重要，题款的位置与形式自然不能放松。

六、是对联式：

对联又称一联，起源与五代后蜀主孟咏在寝门桃符半上的题词“新年纳馀庆，嘉节号长春”。宋时将这种形式推广用于楹柱之上。从文词上讲，字数不限，但左右两个条幅，在章法上，体制上必须一致。也是一种传统味极浓的书法样式。

以上六种主要章法形式中，还有一个贯穿其中的问题必须谈到，既字距与行距问题。大致更根据需要又有四种基本情形。一，行距宽于字距；二，行距窄与字距；三是行距等于字距；四是无行距字距。

六种章法形式是就是章法的内质而言的，在外部形式上还有根据用途的不同而又有多种，比如条、屏、扇面、长卷、横幅、中堂等等。其实内部形式并没变花，只是书写时要结合好具体书写面积的形状，如圆方扇形条形甚至不规则形等。

再有一个与章法相关的问题就是落款与铃印。落款依作品的不同形式而定，要领在于呼应正文，辅助正文，使作品章法上更为完整，古不可以宾代主，款强文弱。如正文书写已比较完整，就不能强为大量写款，只作穷款。写款与正文所用字体也要相协调，一般写款以楷、行书为宜，如正文是篆、隶书、落款也可用篆、隶书，但其它书体的落款则不宜滥用篆、隶书、以免不协调，也有碍款文的清楚。如果自己作书是为了鉴定考据或其它说明、感想等目的，落款时就不用“**书”的方式，而可写作“**识”，“**记”，“**题”，“**拨”等，也可只落自己姓名。如带有恭敬之意或晚辈对前辈的谨敬，可用“**署”，“**谨署”等

书法用印主要有名著，闲章两类，闲章又有引首章，压角章位置比较固定，闲章是根据作品需要作为补空之用，位置较为自由，但除收藏性质外一般很少在正文中钤印。

一幅书法作品大都包括正文、题款和印章三个方面的内容。正文是要写的主要内容，是作品的主体。文章诗词，格言警句等等健康向上，吉利祥和的文字都可作为书法作品的内容。题款是正文之外的说明性文字。包括象正文题目，出外，书写的时间、地点，书写者的姓名、字号、斋号，所赠对象的称呼、姓名等等。这些内容并不是每幅作品都要全写上。题款内容的多少要视作品的具体需要而定。题款的内容有的写在正文前面，叫上款；有的写在正文后面，叫下款。象所赠对象的姓名，称呼这样的内容应该写在正文的前面，以表尊敬。

书法作品中所盖的印章，从内容来分，有名号章和闲章。从所盖的位置来看，有迎首章和押脚章。盖在作品上首的叫迎首章，盖在正文和下款之后的叫押脚章。印章在书法作品中主要起点缀作用，所以一幅作品的印章也不能过多，一般是一至三方为宜。正文、题款、印章是一幅作品的三大有机构成部分。在创作时，必须统筹安排，使三者构成一个完美和谐的整体。

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来源：优特艺术